Resenha: Ordinary Man – Ozzy Osbourne

Reprodução da capa do álbum (© Epic)

Foram dez anos de espera. O lendário vocalista Ozzy Osbourne encerrou os anos 2000 com o bom, mas nada espetacular Scream, e esperou o fim da década seguinte para nos entregar Ordinary Man, o lançamento de estúdio seguinte.

Neste meio tempo, juntou-se aos companheiros Tony Iommi e Geezer Butler para terminar a carreira da pedra fundamental do heavy metal, o Black Sabbath, de maneira absolutamente digna (termo que aqui significa “com um álbum excelente e uma turnê de despedida que parece realmente ter sido a última, diferente das turnês de despedida caça-níqueis que outras bandas vêm fazendo sem o menor pudor”).

E o que o madman atinge com seu décimo segundo lançamento de estúdio? Bem, do lado de cá, nada de mais. Quer dizer, o que esta lenda viva ainda tem para provar para fãs ou crítica?

Por outro lado, parece que, ao menos para si, ele tinha muito a mostrar. Ao mesmo tempo em que dizia para a esposa Sharon que precisava lançar um disco, dizia a si mesmo não ter forças para isso.

Felizmente, ele encontrou a tal força – no caso, na juventude. Aos 29 anos, Andrew Watt assina a produção do trabalho e é considerado por Ozzy como o responsável por arranjar a disposição que ele precisava para concretizar o projeto.

Além do óbvio (heavy metal dos bons), Ordinary Man traz um toque especial: pop. Puro e simples. Quer dizer, misturado ao metal. Não é exatamente uma novidade na discografia dele, mas vem aqui em doses acima do que seria considerado “aceitável” pelos bangers puro-sangue.

Mas não de maneira desmedida. A jornada musical começa forte com “Straight to Hell”, um heavy metal cru e direto (para os padrões aqui estabelecidos). Momentos como “Eat It” repetirão essa roupagem mais pé no chão, em oposição às quase-baladas “All My Life” e “Holy for Tonight”.

A terceira canção, que faz a ponte entre os dois grupos, acabou levando o nome de “Goodbye” (adeus), mas este nome faria todo sentido na peça que acabou sendo a faixa-título.

Histórica, ela traz o “Príncipe das Trevas” acompanhado de Elton John no piano e nos vocais, Slash e Duff McKagan (ambos do Guns N’ Roses) na guitarra e no baixo, respectivamente, e Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) na bateria. Haja talento! O clipe e a letra vêm em tom melancólico de retrospectiva e despedida.

“Under the Graveyard”, primeira faixa divulgada, já chamou a atenção por sua roupagem alternativa, mas o que a torna ainda mais interessante é o clipe, que equilibra tons de arrependimento (por ter passado dos limites nas noitadas quando era jovem) e de agradecimento (por nunca ter sido abandonado pela companheira Sharon, com quem segue casado até hoje).

“It’s a Raid” é uma parceria com Post Malone, que finalmente pode se dizer o “rockstar” que dá nome à sua canção mais famosa. Com toques punk, o caldeirão musical envolve ainda o guitarrista Tom Morello.

Esta não é a primeira colaboração do madman com o rapper; no ano passado, eles já haviam atuado juntos em “Take What You Want”, música de Post que conta ainda com outro rapper, Travis Scott. A faixa figura no próprio Ordinary Man como lançamento bônus das edições em CD, cassete e digital. Os japoneses, como sempre, ganham um mimo: “Darkside Blues”, uma breve peça com ares de demo em que Ozzy canta e toca gaita sobre um riff acústico e uma batida simples.

E não poderia deixar de destacar “Today Is the End” e “Scary Little Green Men”, com suas letras-crônicas na melhor escola Raul Seixas.

O disco, como dito, tem um apelo pop óbvio na adoção de elementos modernos. Mas esses fatores não precisam ser “vilões”, como muitos acham. Ozzy nunca foi tão apegado assim a um som mais cru dos anos 1970. Muito pelo contrário, ele lentamente foi na contramão das bandas ditas “das antigas” que fazem o tal do “rock sem frescuras”.

Se este tiver sido o último álbum dele – os fatalistas acreditam que seja, devido à saúde do cantor e ao tom de despedida de “Ordinary Man” – então podemos concluir com segurança que ele fechou com chave de ouro sua frutífera carreira. Pode morrer como qualquer coisa, menos como o “homem qualquer” que dá título à obra.

Nota = 5/5.

Abaixo, o clipe de “Under the Graveyard”:

Resenha: Father of All Motherfuckers – Green Day

Reprodução da capa do álbum (© Reprise)

Em 2014, Taylor Hawkins, baterista do então quinteto de rock alternativo Foo Fighters, usou em entrevista ao site The Music uma forma bastante peculiar e direta para se referir ao então novo álbum do U2, Songs of Innocence: “um peido” (tivemos opinião um pouco diferente e você pode conferi-la aqui).

O que todos esses artistas têm a ver com Father of All Motherfuckers, novo trabalho de estúdio do trio estadunidense de “punk” Green Day? Bem, sem receios de publicar o que pode ser uma das resenhas mais polêmicas da história do Sinfonia de Ideias, eu pego emprestada a terminologia de Taylor e atribuo-a à obra em questão.

A definição “peido” que eu uso aqui se deve primeiramente ao fato de ser um lançamento extremamente curto – um verdadeiro EP disfarçado. Posso mencionar dezenas de músicas de rock progressivo mais longas que essas dez faixas somadas.

Mas há mais semelhanças com a flatulência. Peidar é um ato divertidíssimo pra quem o comete. Mas pra quem está do lado, é desagradável. Você fica lá, rindo sozinho, e as pessoas em volta só têm olhares de julgamento e reprovação.

Foi mais ou menos a mesma cena quando eles foram lançando seus singles pouco a pouco e os fãs e a crítica apenas se entreolhavam, perguntando-se o que havia acontecido com os rapazes.

A direção musical vem ao encontro de uma das propostas do álbum, que é “o estilo de vida de cagar pra tudo”. Claramente, o trio cagou para crítica, fãs, sua própria história, enfim. Exemplo disso é o fato de terem reaproveitado parcialmente a capa do clássico American Idiot (2004). Chega a ser ofensivo…

Outro problema do disco é que quando uma banda como o Green Day – historicamente associada ao gênero punk, quer queira quer não – anuncia algo com um título tão “agressivo” como “Father of All Motherfuckers” (Pai de Todos os Filhos da Puta, em tradução livre), você espera no mínimo algo crítico, ácido, agressivo, enfim, com algum tipo de atitude.

Mas o que vemos é um mar de canções (ou não – já falei da extrema brevidade?) nas quais Billie Joe Armstrong tenta acenar para um público jovem – do alto dos seus nem um pouco aparentes quase 50 anos de idade. Há críticas de sobra nas letras, é verdade, mas todas ganham tom de caricatura ante a instrumentação “moderninha”.

No final das contas, só três momentos empolgam: o rock and roll cinquentista “Stab You in the Heart” e as relativamente densas e maduras “Meet You on the Roof” e “Junkies on a High”. O resto? Bem, como todo peido, dissipa-se e é esquecido. E é só isto que tenho a dizer sobre esta peça.

Nota = 2/5.

Abaixo, o clipe de “Father of All…”:

Resenha: No Democracy – GLAY

capa do álbum No Democracy, de Glay

Reprodução da capa do álbum (© Pony Canyon)

Para marcar seu 25º aniversário enquanto grupo mainstream (a banda de fato existe desde 1988) e também seu 15º lançamento de estúdio, o quarteto japonês de pop rock GLAY deixou em 2019 uma marca chamada No Democracy.

Se o bom Summerdelics (2017; clique aqui para conferir minha resenha a respeito) era um trabalho de “volta às raízes”, este produto aqui vê os rapazes mantendo um pé nessas raízes e outro na musicalidade mais sofisticada e densa dos três discos anteriores (Justice, Guilty (clique aqui para conferir minha resenha a respeito destes últimos) e Music Life).

A abertura sinfônica “REIWADEMOCRACY” deixa isso bem claro, ainda que sua sequência “Hansei no Iro Nashi” dê preferência para o rock cru deles. A primeira que empolga é a saudosista “Flowers Gone”, com toda aquela pegada indie de seus trabalhos iniciais. E não se deixe enganar pelo jeitão de balada de “Koori no Tsubasa”, pois o seu minuto final é um jazz delicioso – e só a performance de Jiro no baixo já compensa e muito a audição.

O “meião” do álbum deixa um pouco a desejar. Temo bons momentos como a empolgante “Ah, Mujou” e “Just Fine”, com uma guitarra que lembra Tak Matsumoto (B’z) em alguns momentos – ele produziu o primeiro disco solo do guitarrista rítmico e principal compositor e letrista do GLAY, Takuro (que assina a música e a letra desta faixa), então faz todo sentido.

Inclusive, vale lembrar que ele volta a reinar nas composições e letras desta obra, diferentemente da anterior, em que os outros membros haviam recebido mais espaço autoral.

Voltamos a ter um destaque em “Anata to Ikite Yuku”, com um riff bem original e trabalhado ao lado das cordas, e a balada “Colors”, que não surpreende quem conhece a discografia do quarteto, mas mesmo assim destoa da mesmice que imperou nesta segunda metade.

“Urei no Prisoner” resgata aquele “quê” de abertura/encerramento de anime que o grupo sempre teve e o encerramento “Gengou” traz como diferencial um belo adorno de gaita.

Pesando tudo, No Democracy foi um disco bom e que faz jus aos marcos que ele representa, ainda que permaneça aquele sentimento, aquela impressão de que a banda poderia ter entregue ainda mais.

Nota = 4/5.

Abaixo, o clipe de “Colors”: