Resenha: Lione/Conti – Lione/Conti

Reprodução da capa do álbum (© Frontiers Music Slr)

Em meio a toda aquela confusão sobre o que é o Rhapsody hoje, dois dos vocalistas que já deixaram sua marca nessa lenda italiana do power metal sinfônico decidiram unir forças para começar 2018 com uma colaboração: Fabio Lione e Alessandro Conti. O primeiro cantou na versão original do Rhapsody (o Rhapsody of Fire) por duas décadas, enquanto que o segundo teve uma passagem mais breve, cantando nos dois álbuns da versão do Rhapsody capitaneada por Luca Turilli após sua saída do Rhapsody original e antes dele formar um terceiro Rhapsody com o próprio Lione e outros ex-membros. Ufa!

Batizados com o revolucionário nome Lione/Conti, os dois cantores se juntaram aos pouco conhecidos Filippo Martignano (teclados) e Marco Lanciotti (bateria) mais o respeitado guitarrista e baixista Simone Mularoni para preparar seu disco de estreia, autointitulado.

É perfeitamente aceitável que você não se impressione muito com as primeiras faixas. Apesar do ótimo trabalho de Simone, que se esforça para torná-las mais agressivas, elas são bem comerciais, com teclados moderninhos aqui e ali e uma estrutura deveras convencional.

Mais a coisa vai melhorando aos poucos. O álbum ganha contornos de metal sinfônico em “You’re Falling” e “Somebody Else”, esta última com uma letra reflexiva na melhor escola Stratovarius de autoafirmação; enquanto que a paulada “Misbeliever” fecha a primeira metade com chave de ouro.

A segunda metade vem bem recheada com mais duas cacetadas do mais puro power metal (“Glories” e “Gravity”), duas faixas não tão rápidas mas muito dignas (“Truth” e “Crosswinds”) e a peça mais esquecível do disco, “Destruction Show”.

Exceto em alguns momentos realmente inspirados, o álbum surpreendentemente não apresenta os dois vocalistas em sua melhor forma. São performances competentes, profissionais, mas só. Por outro lado, os três instrumentistas mostram talento equiparável às bandas mais tradicionais do gênero, deixando-nos já ansiosos para lançamentos futuros.

Nota = 4/5

Abaixo, o vídeo de “Ascension”:

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Resenha: Pacifisticuffs – Diablo Swing Orchestra

Reprodução da capa do álbum (© Spinefarm Records)

Depois de passar com louvor no teste de agradar fãs e crítica com sua mistura única de metal, rock, swing, jazz, música erudita e outros gêneros, o octeto sueco Diablo Swing Orchestra enfrenta agora o teste da troca de vocalistas, com Kristin Evegård entrando no lugar da gabaritada AnnLouice Lögdlund para o quarto álbum da banda, Pacifisticuffs.

Originalmente previsto para acontecer em 2016, o “teste” acabou sendo adiado até o final deste ano. E a espera valeu (muito) a pena: eles não apenas tiraram de letra a questão da troca das vocalistas femininas, como entregaram simplesmente um dos melhores discos do ano.

A levada descontraída e direta ao ponto de “Knucklehugs (Arm Yourself with Love)” a torna uma ótima opção para abrir o álbum, mas é em “The Age of Vulture Culture” que o grupo começa a se mostrar de verdade, especialmente a nova vocalista, que deixa claro que usará um canto mais pop em vez da voz operática de sua antecessora. O ritmo reggaeton característico da faixa parece um sample do Calle 13 e temos aqui um dos melhores refrãos do disco.

“Superhero Jagganath” mantém o nível lá em cima e entrega mais um grande refrão, já pedindo um coro dos fãs nos shows. A quase sem vida “Vision of the Purblind” é o primeiro de quatro breves instrumentais e prepara o terreno para o ótimo jazz dançante “Lady Clandestine Chainbreaker”, que explora um pouco mais os vocais de Kristin e termina com alguns toques de dubstep, gênero que a banda explorou sem receios no encerramento de sua obra-prima “Justice for Saint Mary”, lançada em 2012 no álbum anterior, Pandora’s Piñata.

“Jigsaw Hustle”, single divulgado lá em 2014 para apresentar a nova vocalista, reaparece aqui totalmente retrabalhado numa versão mais pesada que lembra a trilha sonora do jogo SEGA: Rally Revo. Mais um interlúdio quase sem vida (“Pulse of the Incipient”) depois e chegamos à relativamente básica “Ode to the Innocent”, levada apenas nas cordas e na voz de Kristin.

“Interruption” é mais um destaque, um belo jazz metal em compasso ternário que vê a banda misturando a ala de cordas e metais com bastante peso. Ela é sucedida pelo melhor interlúdio, a peça erudita contemporânea e também ternária “Cul-de-Sac Semantics”.

Na reta final, temos “Karma Bonfire”, uma faixa forte que é a cara do Diablo Swing Orchestra; e “Climbing the Eyewall”, um trabalho mais “sério” e com elementos de metal progressivo que emenda no outro “Porch of Perception”, um curto e belo dueto de violão e banjo com sons de fazenda e natureza ao fundo que só peca por não se estender e mostrar o que o grupo poderia fazer com esse tipo de som.

Para uma banda que mistura tantas coisas diferentes, é surpreendente poder dizer que Pacifisticuffs soa coeso, a despeito dos interlúdios, e acessível, a despeito da excentricidade. Dá até para imaginar o álbum sendo executado na íntegra, com todos os membros tocando ao mesmo tempo em estúdio, o que parece impossível para um time de tantos músicos. Acredito que isto seja o que alguns chamam de “band-oriented album”.

É verdade que o estilo vocal de Kristin mudou alguns paradigmas para o octeto, mas a essência deles continua aqui: guitarras fortes; muitos sopros, metais e cordas intercalando momentos de destaque e de acompanhamento; constante atmosfera de cabaré com câmara; e um clima em geral bem humorado. Sem falar que a nova integrante teve um desempenho extremamente satisfatório, deixando-nos mais ansiosos para o que esses suecos farão no futuro do que receosos de como ela lidará com o material antigo, cantado por AnnLouice.

Nota = 5/5. Um dos destaques de 2017, que infelizmente chegou tarde demais para as listas de fim de ano, que costumam sair já em novembro. Se bem que o som particular do Diablo Swing Orchestra possivelmente o faria ficar de fora dessas compilações, que geralmente favorecem lançamentos mais acessíveis. Mas repito: para um disco de uma banda tão extravagante sonoramente, não estamos diante de um material de difícil digestão.

Com ainda não há vídeos do álbum, fique com a sua íntegra abaixo:

Resenha: In This Moment We Are Free – Cities – VUUR

Reprodução da capa do álbum (© Inside Out Music)

Dona de uma das melhores vozes do metal atual, a holandesa Anneke van Giersbergen anunciou há um ano seu novo projeto: VUUR, que pode significar “fogo” ou “paixão” em sua língua materna. O objetivo era canalizar o seu lado prog metal. Para isso, ela recrutou basicamente o mesmo time de músicos que já a acompanhava no The Gentle Storm e em sua banda de apoio: Jord Otto e Ferry Duijsens nas guitarras, Johan van Stratum no baixo e Ed Warby na bateria. Uma formação que, além de conter profissionais de primeira, começa já bem azeitada devido aos anos de shows.

A proposta do álbum de estreia do quinteto, In This Moment We Are Free – Cities, é falar de 11 das muitas cidades que Anneke já visitou durante turnês: o Brasil se vê representado pelo Rio de Janeiro na quinta faixa. Assim, temos uma diversidade musical razoável para um disco de poucos músicos que mal se utiliza de outros instrumentos além do básico.

“My Champion”, inspirada por Berlim, é um ótimo cartão de visitas para o lançamento, com um refrão carregado de emoção, especialidade de Anneke. Esta forma de fazer música será ouvida novamente em “The Martyr and the Saint”, inspirada por Beirute, uma faixa mais complexa quase toda em compasso ternário; “Sail Away” (Santiago), que reúne alguns dos melhores riffs do álbum; “Valley of Diamonds” (Cidade do México); e a dupla de encerramento “Save Me” (Istambul) e Reunite! (Paris), com alguns pontos altos da vocalista aqui, se é que é possível pinçar destaques num disco que gira em torno do seu canto. Há também faixas mais cruas, como “Time” (Roterdã), “The Fire” (São Francisco) e “Days Go By” (Londres).

“Freedom”, a homenagem ao Rio de Janeiro, traz um clima relativamente leve, alegre e orgânico, com a ajuda de uma guitarra sem distorções. Um trabalho condizente com a magia da Cidade Maravilhosa. Mas não corra para ela esperando sentir algum aroma de samba ou bossa nova – em nenhum momento a banda se propõe a incorporar elementos musicais locais nas canções. Não vou me atrever a analisar o mérito das demais faixas enquanto obras de arte inspiradas por localidades específicas, pois não conheço bem nenhuma das cidades selecionadas, embora já tenha tido o prazer de visitar algumas.

O destaque aqui, como não poderia deixar de ser, é a própria Anneke, novamente mostrando por que é dona de uma das vozes mais queridas do gênero. Já o resto do grupo, embora bastante competente, acaba não sendo muito mais do que uma banda de apoio, exceto por um ou outro solo de guitarra mais elaborado, o que faz o trabalho parecer repetitivo para quem ouvi-lo poucas vezes. Vale pensar em algo mais denso e verdadeiramente progressivo para um futuro lançamento.

Nota = 4/5. Anneke brilha em In This Moment We Are Free – Cities de uma forma acima da média para seu já rico currículo e o disco, que propôs uma ideia bem interessante, comportou bem seu talento. São poucas as arestas para aparar para um possível sucessor, sendo que o aspecto mais importante é o papel da ala instrumental do quinteto – exceto o baterista Ed Warby, que como sempre, se mostrou uma máquina.

Abaixo, o vídeo de “My Champion – Berlin”: