Resenha: Noise Floor – Spock’s Beard

Reprodução da capa do álbum Noise Floor, da banda de rock progressivo Spock's Beard. Trata-se de uma esfera semi-enterrada num solo dourado e cercada por trâs triângulos sobrepostos, enquanto arcos de luz saltam da superfície e raios de luz emergem da esfera em direção aos céus

Reprodução da capa do álbum (© Inside Out Music)

Com a volta do baterista Nick D’Virgilio (ainda que como músico de apoio, apenas), o quarteto estadunidense de rock progressivo Spock’s Beard tinha tudo para lançar mais um ótimo disco – e assim o fez.

Bom do começo ao fim, Noise Floor parece ter sido gravado numa tacada só, sem pausas nem segundas tomadas. As faixas fluem com relativa naturalidade e a ausência de peças épicas (a campeã, “Have We All Gone Crazy Yet”, mal passa dos oito minutos) não compromete a sofisticação esperada de uma banda como essa. É verdade que elas fazem falta, mas antes isso do que, apenas com o intuito de satisfazer dogmas não-escritos do gênero, esticar uma música que não nasceu com vocação para ser grande.

Afinal, os ritmos intrincados, os solos, as camadas de vocais e teclados, as variações de climas, tudo isso está garantido, especialmente em faixas como “One So Wise”, “Beginnings” e a longa supracitada.

Ao mesmo tempo, a coesão do disco não inibe o charme particular de algumas canções. A abertura “To Breathe Another Day”, por exemplo, além de fazer o álbum começar com tudo, demonstra aquela incorporação de elementos pop no prog como só eles e o Flying Colors sabem fazer. “So This Is Life”, por sua vez, mostra um Spock’s Beard despretensioso e minimalista, evocando as fases mais melódicas dos Beatles em alguns momentos.

Não bastassem as oito ótimas faixas, temos ainda um EP-anexo de nome Cutting Room Floor, composto por quatro “sobras” resultantes dos ensaios para o disco. O que elas têm a menos que as oito selecionadas para o CD principal, só eles sabem. Por isso, é de se louvar que tenham tido a sensibilidade de não relegá-las ao esquecimento – os fãs agradecem.

Como sempre, os talentos individuais dos integrantes são peças-chave na construção do sucesso de Noise Floor. Alan Morse e Dave Meros trabalham para que a guitarra e o baixo dialoguem, e não apenas soem em coro. Dave pode ser ouvido quase o tempo todo, às vezes até mais do que Alan, sem que isso soe forçado.

Ryo Okumoto, por sua vez, segue dando um show à parte com os teclados que o cercam. Seja com o órgão, seja com um sintetizador para passagens eletrônicas, ele ora dialoga com a guitarra, ora com o baixo, ora com o vocal, ora faz o pano de fundo. E sempre com máxima eficiência. Seu ponto alto em, sem sombra de dúvidas, é o instrumental “Box of Spiders”.

Nick D’Virgilio, baterista de qualidade equiparável a um Mike Portnoy, entrega uma performance acima da crítica enquanto Ted Leonard mantém a tradição de vocais melódicos e carregados de emoção da banda.

Por tudo isso, afirmo com segurança que, antes do meio do ano, já conhecemos um dos integrantes das listas de melhores lançamentos prog de 2018 – e olha que estamos falando dum ano que ainda verá um trabalho solo de Michael Romeo e a estreia do supergrupo The Sea Within.

Nota = 5/5.

Abaixo, o vídeo de “To Breathe Another Day” (alô, Inside Out! Os caras mereciam algo mais profissional, não?):

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Resenha: The Similitude of a Dream – The Neal Morse Band

Reprodução da capa do álbum (© Radiant Records)

Reprodução da capa do álbum (© Radiant Records)

Esta resenha é escrita com um mês de atraso e na mesma semana que um dos maiores nomes do rock progressivo nos deixa: Greg Lake (King Crimson; Emerson, Lake and Palmer). Mas a morte dele não me fez apenas lamentar que perdemos mais uma lenda. Fez-me pensar quanta coisa boa as pessoas deixam de curtir por quererem sempre uma cópia do passado.

Uma dessas coisas é The Similitude of a Dream, décimo nono álbum do vocalista, tecladista e guitarrista estadunidense Neal Morse, e o segundo lançado sob o nome The Neal Morse Band – um grupo que junta ele, o lendário baterista Mike Portnoy, o antigo parceiro e baixista Randy George e dois músicos relativamente desconhecidos, mas bastante rodados e habilidosos – o tecladista Bill Hubauer e o guitarrista Eric Gillette.

Este disco, conceitual e baseado no livro The Pilgrim’s Progress (John Bunyan), mostra uma evidente evolução em relação ao álbum anterior, The Grand Experiment. Por mais que o lançamento do ano passado já tenha sido feito sob um sistema de banda “de verdade”, e não apenas com os membros se adequando às composições de Neal, ele ainda soava como uma obra solo de Neal Morse.

Em The Similitude of a Dream, contudo, a formação soa muito mais entrosada, com uma forte química entre os membros, concedendo-a um ar mais de “Neal Morse e amigos” – sim, a marca Neal Morse ainda é onipresente, ou a banda não levaria seu nome. E depois que você assiste ao making of do álbum, tudo fica mais claro. Dá para ver com clareza a fluência musical que eles demonstraram em estúdio, a maneira como todos estavam bem à vontade sozinhos com seus instrumentos ou gravando em grupo.

O documentário retratou a concepção do álbum de forma tão honesta que até um desentendimento entre Portnoy e Morse foi tornado público – o baterista era contra fazer um disco duplo porque o Dream Theater, sua ex-banda, já havia lançado um trabalho conceitual duplo no começo do ano (The Astonishing) e ele temia comparações. Um medo um tanto tolo – são duas obras musicalmente bem diferentes, lançadas por grupos que não estão exatamente perdendo a virgindade nessa coisa de disco duplo.

Enfim, falemos da música do álbum em si: The Similitude of a Dream justifica sua calorosa recepção pela crítica. Não o colocaria no pedestal de lançamento do ano como alguns estão fazendo, mas é obviamente um discaço, e todo aquele entrosamento enaltecido parágrafos acima resultou em mais de 20 faixas, totalizando quase duas horas de rock.

Elas variam de breves peças leves e acústicas como a abertura “Long Day” e “The Dream” a trabalhos de média duração com riffs mais pesados e instrumentação mais complexa como “City of Destruction”, “Draw the Line” e “So Far Gone”. Outras faixas trazem seus charmes próprios: o solo de saxofone de Bruce Babad em “Shortcut for Salvation”; os toques country em “Freedom Song”; o solo de baixo em “I’m Runnin”… Sem falar nos instrumentais “Overture”, “The Slough” e “The Battle”.

Mesmo que você não se identifique com todas, certamente encontrará ao menos algum momento de prazer auditivo neste disco. E a banda faz isso tudo sem perder foco e coesão. Você consegue visualizá-los o tempo todo da maneira que foram retratados no making of: livres, leves e soltos.

Graças a Dio, Mike Portnoy foi vencido pelos outros quatro membros e o álbum rendeu os dois discos que sempre foi destinado a render. E como eu não resenhei The Grand Experiment, aproveito para registrar comentários sobre os dois membros novos da banda:

O tecladista Bill Hubauer acaba um pouco ofuscado por Neal Morse, cujo instrumento principal é o próprio teclado, embora nos clipes deste álbum ela seja mais visto empunhando guitarras ou violões. Mas o trabalho apresentado até aqui dirime qualquer dúvida quanto ao seu talento. Soube criar harmonias e melodias que se encaixaram bem em todas as canções.

O jovem guitarrista Eric Gillette teve relativamente mais destaque. No começo do ano passado, antes mesmo do The Grand Experiment, Portnoy comentou o quanto Eric Gillette se parecia com seu “antigo parceiro de crime” – era uma óbvia referência a John Petrucci, seu ex-colega de Dream Theater. A referência se revelou precisa. A influência que o barbudo exerce sobre Eric é grande – às vezes, grande demais. Em alguns momentos o que se houve é uma tentativa de imitar os dedilhados de Petrucci. O solo de “Breath of Angels”, por exemplo, parece uma junção dos solos de “The Best of Times” e “The Ministry of Lost Souls”, ambas do Dream Theater. Por outro lado, recai sobre ele grande parte da responsabilidade da qualidade do disco: especialmente por executar bem todos os riffs e por saber casar o som de sua guitarra com os teclados, que sempre desempenham papel fundamental na música de Neal Morse.

Nota = 5/5. Um exemplo de rock progressivo bem feito, um exemplo de trabalho duplo e conceitual. Uma aula de instrumentação e composição. Podemos até discutir se este é o “álbum progressivo do ano”. Mas não podemos discutir sua beleza, nem sua qualidade.

Abaixo, o vídeo de “The Man in the Iron Cage”:

Resenha: Second Nature – Flying Colors

Breve histórico: Juntando quatro nomes consagrados do rock e um vocalista/guitarrista relativamente desconhecido mas que fez jus à oportunidade concedida, Flying Colors é um dos supergrupos fundados por Mike Portnoy após sua saída do Dream Theater em 2010. O som do quinteto apresenta uma mistura de influências de rock progressivo, hard rock, pop rock e alguns aromas de heavy metal.

Reprodução da capa do álbum (© Mascot Label Group)

Reprodução da capa do álbum (© Mascot Label Group)

Após arrancar elogios da crítica especializada com seu disco de estreia, autointitulado (e resenhado neste blog), o Flying Colors conseguiu, aos trancos e barrancos, lançar seu segundo álbum, Second Nature. Aos trancos e barrancos porque as sessões de gravação foram intercaladas com as agitadas agendas dos integrantes. Alguns ensaios chegaram a ser realizados por videoconferência. Se fosse uma banda amadora, o resultado poderia ser um disco visivelmente feito nas coxas. Mas como se tratam de cinco profissionais, sendo quatro com vasta experiência, o resultado foi positivo.

Mike Portnoy, Neal Morse, Steve Morse (sem parentesco), Dave LaRue e Casey McPherson são os componentes deste supergrupo que desde o início já havia colocado a crítica aos seus pés. O que eles têm a nos dizer com Second Nature? Em primeiro lugar, eles acabam com qualquer dúvida sobre a capacidade dos envolvidos em apresentar um trabalho melhor que o anterior.

Não que o som tenha sofrido uma grande mudança, mas o amadurecimento é evidente. Se em Flying Colors a banda explorava suas incontáveis influências faixa a faixa, já gozando de uma química musical dificilmente estabelecida tão rápido, em Second Nature ela parece ter achado um denominador comum. Não uma estrutura a ser reproduzida em todas as faixas, mas um ponto referencial em volta do qual as músicas serão desenvolvidas.

Cada riff do álbum tem um tempero especial. O folk da abertura de “One Love Forever”, o momento Bruce Springsteen na segunda metade de “Cosmic Fusion”, as lembranças de The Winery Dogs em “Bombs Away”, e por aí vai.

Um disco daqueles que já nasce candidato a top 10 de 2014, que agradará aos fãs da maioria das vertentes do bom e velho rock e que faz jus ao poderio dos envolvidos.

Nota = 9,0. No primeiro trabalho, a banda tinha tempo, mas não tinha ainda uma identidade certa. Neste segundo disco, eles tinham identidade, mas não tiveram tempo. Imagine o que será do terceiro trabalho se os dois fatores casarem.

Abaixo, o video de “Mask Machine”: