Resenha: Will – Special Providence

Reprodução da capa do álbum (© G E P Records Limited)

O quarteto húngaro Special Providence, sem dúvidas um dos melhores grupos instrumentais de metal progressivo desde o Liquid Tension Experiment, chega ao seu quinto álbum, Will, totalmente em forma.

O trabalho soa extremamente coeso, como se fosse uma única faixa de 50 minutos dividida em várias seções. E como manda o manual de metal progressivo instrumental, as faixas abusam de ritmos complexos, variações constantes de andamentos e frases intrincadas, dando espaço para todos os membros exibirem suas habilidades.

Mas temos também alguns momentos de relativa calmaria e simplicidade, como as passagens meio bossa nova de “Irrelevant Connotations”, o longo solo sem base de guitarra de “A Magnetic Moment”, ou a segunda mais longa “The Rainmaker”, que, grosso modo, vê a banda modulando e variando sobre um mesmo fraseado não tão agressivo por quase sete minutos.

Os destaques ficam por conta de “Slow Spin” e “Mos Eisley”, nas quais o tecladista Zsolt Kaltenecker preenche o som com elementos eletrônicos na melhor escola Rush de oitentização do rock progressivo; e a mais longa, “The Ancient Cosmic Bubble”, que vê a banda condensar todas as suas facetas em quase sete minutos e meio do mais refinado progressivo instrumental.

Até pela complexidade do som, pode ser um disco um tanto indigesto e pouco acessível, especialmente para quem não aprecia o gênero. Talvez por isso também o álbum pareça desprovido do chamado “fator uau”. Mas ainda assim é merecedor de constar nas listas de melhores lançamentos progressivos de 2017.

Nota = 4/5. Perfeito para os fãs do gênero, Will reafirma o Special Providence como uma potência instrumental da década, no mesmo nível de Animals as Leaders e afins. Pode comprar sem medo – exceto se você não tiver estômago para música deste naipe.

Abaixo, o vídeo de “Irrelevant Connotations”:

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Resenha: In This Moment We Are Free – Cities – VUUR

Reprodução da capa do álbum (© Inside Out Music)

Dona de uma das melhores vozes do metal atual, a holandesa Anneke van Giersbergen anunciou há um ano seu novo projeto: VUUR, que pode significar “fogo” ou “paixão” em sua língua materna. O objetivo era canalizar o seu lado prog metal. Para isso, ela recrutou basicamente o mesmo time de músicos que já a acompanhava no The Gentle Storm e em sua banda de apoio: Jord Otto e Ferry Duijsens nas guitarras, Johan van Stratum no baixo e Ed Warby na bateria. Uma formação que, além de conter profissionais de primeira, começa já bem azeitada devido aos anos de shows.

A proposta do álbum de estreia do quinteto, In This Moment We Are Free – Cities, é falar de 11 das muitas cidades que Anneke já visitou durante turnês: o Brasil se vê representado pelo Rio de Janeiro na quinta faixa. Assim, temos uma diversidade musical razoável para um disco de poucos músicos que mal se utiliza de outros instrumentos além do básico.

“My Champion”, inspirada por Berlim, é um ótimo cartão de visitas para o lançamento, com um refrão carregado de emoção, especialidade de Anneke. Esta forma de fazer música será ouvida novamente em “The Martyr and the Saint”, inspirada por Beirute, uma faixa mais complexa quase toda em compasso ternário; “Sail Away” (Santiago), que reúne alguns dos melhores riffs do álbum; “Valley of Diamonds” (Cidade do México); e a dupla de encerramento “Save Me” (Istambul) e Reunite! (Paris), com alguns pontos altos da vocalista aqui, se é que é possível pinçar destaques num disco que gira em torno do seu canto. Há também faixas mais cruas, como “Time” (Roterdã), “The Fire” (São Francisco) e “Days Go By” (Londres).

“Freedom”, a homenagem ao Rio de Janeiro, traz um clima relativamente leve, alegre e orgânico, com a ajuda de uma guitarra sem distorções. Um trabalho condizente com a magia da Cidade Maravilhosa. Mas não corra para ela esperando sentir algum aroma de samba ou bossa nova – em nenhum momento a banda se propõe a incorporar elementos musicais locais nas canções. Não vou me atrever a analisar o mérito das demais faixas enquanto obras de arte inspiradas por localidades específicas, pois não conheço bem nenhuma das cidades selecionadas, embora já tenha tido o prazer de visitar algumas.

O destaque aqui, como não poderia deixar de ser, é a própria Anneke, novamente mostrando por que é dona de uma das vozes mais queridas do gênero. Já o resto do grupo, embora bastante competente, acaba não sendo muito mais do que uma banda de apoio, exceto por um ou outro solo de guitarra mais elaborado, o que faz o trabalho parecer repetitivo para quem ouvi-lo poucas vezes. Vale pensar em algo mais denso e verdadeiramente progressivo para um futuro lançamento.

Nota = 4/5. Anneke brilha em In This Moment We Are Free – Cities de uma forma acima da média para seu já rico currículo e o disco, que propôs uma ideia bem interessante, comportou bem seu talento. São poucas as arestas para aparar para um possível sucessor, sendo que o aspecto mais importante é o papel da ala instrumental do quinteto – exceto o baterista Ed Warby, que como sempre, se mostrou uma máquina.

Abaixo, o vídeo de “My Champion – Berlin”:

Resenha: Psychotic Symphony – Sons of Apollo

Reprodução da capa do álbum (© Inside Out Music/Sony)

Nesta vida, só temos três certezas: a morte, o especial Roberto Carlos de final de ano na Globo e que o baterista Mike Portnoy montará alguma banda (geralmente, um supergrupo). Em 2017, o nome da vez é Sons of Apollo, no qual ele se junta ao vocalista Jeff Scott Soto (Trans Siberian Orchestra, Talisman, ex-Journey, ex-Yngwie Malmsteen, ex-Axel Rudi Pell); o guitarrista Ron “Bumblefoot” Thal (Art of Anarchy, ex-Guns N’ Roses); o baixista Billy Sheehan (The Winery Dogs, Mr. Big, ex-David Lee Roth, B’z); e o tecladista Derek Sherinian (Black Country Communion, ex-Dream Theater, ex-Alice Cooper, ex-Platypus, ex-Yngwie Malmsteen, ex-Kiss).

Eles nasceram como uma promessa do metal progressivo, mas acabaram se revelando a melhor mistura de progressivo com hard desde os tempos áureos do Rush. Não chega a ser uma surpresa, vide o currículo dos membros. E se o álbum de estreia deles, Psychotic Symphony, não é uma joia histórica como algumas críticas vêm pintando, também está longe de ser chato ou repetitivo como as resenhas mais negativas acusam.

Cada um dos cinco integrantes está bem dosado ao longo do disco, sem que houvesse uma disputa irracional por destaque, especialmente por parte de Bumblefoot, Billy e Derek. O bom entrosamento entre eles é parcialmente explicado pelo fato de muitos já terem trabalhado juntos: Mike e Derek no Dream Theater; Mike, Derek e Billy no P.S.M.S.; Mike e Billy no The Winery Dogs; Mike e Bumblefoot no Metal Allegiance. E o legal é poder ouvir cada um deles em ação e reconhecer logo de cara seus timbres e estilos característicos.

Após ouvir a faixa de abertura, a épica “God of the Sun”, você pode até se perguntar onde está o tal do hard rock. Mas você já encontrará elementos do dito-cujo em “Coming Home”, que recebeu um vídeo. Ou em “Signs of the Time”, que por mais que abra com um riff à la Sepultura e tenha uma passagem instrumental longa e bem fritada, abraça fortemente o rock clássico em seu refrão. E ainda na radiofônica (conforme os próprios membros admitem) “Alive”, na qual temos um riff que parece extraído de alguma banda de rock alternativo do início do século. E por fim, cito “Divine Addiction”, que escancara a influência que Derek sofre do saudoso Jon Lord. Ela é precedida pelo breve prelúdio “Figaro’s Whore”, um “momento Eruption” do tecladista.

Mas sim, é um álbum essencialmente progressivo. Além da abertura supracitada, também fazem questão de deixar isso bem claro a épica “Labyrinth”, na qual Derek finalmente amplia o leque de possibilidades que seu instrumento lhe proporciona, e “Lost in Oblivion”, em que Jeff parece estar numa outra dimensão com seu vocal hard rock colocado em cima de um instrumental prog bem fritado. Mas, ei, é disso que se trata o supergrupo, não é mesmo?

A faixa de encerramento, segunda mais longa e batizada com o pomposo título “Opus Maximus”, dá um descanso a Jeff e põe os quatro instrumentistas para trabalhar ininterruptamente por 10 minutos e 30 segundos. A despeito do nome que lhe foi dado, não supera as outras duas épicas, o que não a torna ruim de forma alguma – nada neste disco é ruim. Aliás, o que é aquela linha de baixo aos 4:40? Billy parece incorporar plenamente a alma de Geddy Lee, que nem morto está (graças a Dio).

Psychotic Symphony é aquilo que você espera dele: uma demonstração de potência por parte de seu estrondoso time que resultou em nove ótimas peças. Mas não há nada aqui que o torne um candidato a “disco da década” ou algo assim. Talvez num próximo lançamento, já com uma comunidade sólida de fãs e com uma química ainda melhor, o quinteto ouse mais e fuja dos clichês dos gêneros – aqueles que motivaram as críticas negativas.

Nota = 4/5. Por que dar nota alta a um trabalho que não é uma joia, um clássico instantâneo? Porque eu, pelo menos, não vi nenhum membro prometendo isto. Vi cinco “tiozões” do rock/metal aceitando o desafio de se juntarem numa empreitada que exigiu foco e dedicação e, por esse exato motivo, não é chamado de “projeto” por eles, já que o termo normalmente é usado para iniciativas paralelas a algo maior. Sons of Apollo foi criado com a promessa de ser uma banda de tempo integral e isso abre a possibilidade de álbuns melhores chegando antes do que esperamos.

Abaixo, o vídeo de “Lost in Oblivion”: