Resenha: Cold Like War – We Came as Romans

Reprodução da capa do álbum (© SharpTone Records)

Depois de lançar um chato álbum autointitulado (resenhado neste blog), o sexteto estadunidense We Came as Romans aparenta querer voltar para o bom electronicore em Cold Like War, seu quinto lançamento de estúdio, e o primeiro pela SharpTone e com o baterista David Puckett.

A abertura “Vultures with Clipped Wings” empolga – mas a primeira música do disco anterior fazia o mesmo e suas sucessoras colocavam a expectativa gerada a perder. Não é o que acontece aqui, pois depois dela, temos a também ótima faixa título. E, no decorrer da tracklist, teremos mais ótimos momentos como “Foreign Fire”, “Wasted Age” e “Encoder”.

Mas a aventura pop não ficou no passado. Praticamente todo o álbum passeia livremente entre o pop e o metal, variando a dosagem de cada um dos gêneros conforme a faixa – lembrando que o electronicore mistura metal com eletrônico, não necessariamente com pop. A qualidade delas também varia, indo do ótimo ao descartável, como a fraca “Promise Me”. É a banda em processo de busca por um som próprio – ou pelo menos é isso o que ela dizia ao divulgar o novo trabalho.

Na tentativa de fugir de simplismos, não vou me limitar a colocar as peças mais puxadas para o metal ou para o pop em duas pontas de uma gangorra, ver qual lado pesa mais e usar isso com critério principal para avaliar a obra como um todo. Limitar-me-ei a louvar a recuperação das raízes antes abandonadas e reconhecer o esforço do grupo em experimentar variações dentro do gênero.

Nota = 4/5. Mesmo que Cold Like War não seja uma pérola, já é um grande alento ver que o We Came as Romans pulou fora da barca furada que é a “linkinparkização” do electronicore. Entende-se que o disco anterior foi, realmente, apenas uma fase. Quem sabe eles não sejam imitados por outras bandas que trilhando o mesmo caminho perigoso, como o I See Stars e o Asking Alexandria (este último, por exemplo, acabou de lançar um trabalho bem fraquinho e representativo dessa tendência).

Abaixo, o vídeo de “Cold Like War”:

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Resenha: Psychotic Symphony – Sons of Apollo

Reprodução da capa do álbum (© Inside Out Music/Sony)

Nesta vida, só temos três certezas: a morte, o especial Roberto Carlos de final de ano na Globo e que o baterista Mike Portnoy montará alguma banda (geralmente, um supergrupo). Em 2017, o nome da vez é Sons of Apollo, no qual ele se junta ao vocalista Jeff Scott Soto (Trans Siberian Orchestra, Talisman, ex-Journey, ex-Yngwie Malmsteen, ex-Axel Rudi Pell); o guitarrista Ron “Bumblefoot” Thal (Art of Anarchy, ex-Guns N’ Roses); o baixista Billy Sheehan (The Winery Dogs, Mr. Big, ex-David Lee Roth, B’z); e o tecladista Derek Sherinian (Black Country Communion, ex-Dream Theater, ex-Alice Cooper, ex-Platypus, ex-Yngwie Malmsteen, ex-Kiss).

Eles nasceram como uma promessa do metal progressivo, mas acabaram se revelando a melhor mistura de progressivo com hard desde os tempos áureos do Rush. Não chega a ser uma surpresa, vide o currículo dos membros. E se o álbum de estreia deles, Psychotic Symphony, não é uma joia histórica como algumas críticas vêm pintando, também está longe de ser chato ou repetitivo como as resenhas mais negativas acusam.

Cada um dos cinco integrantes está bem dosado ao longo do disco, sem que houvesse uma disputa irracional por destaque, especialmente por parte de Bumblefoot, Billy e Derek. O bom entrosamento entre eles é parcialmente explicado pelo fato de muitos já terem trabalhado juntos: Mike e Derek no Dream Theater; Mike, Derek e Billy no P.S.M.S.; Mike e Billy no The Winery Dogs; Mike e Bumblefoot no Metal Allegiance. E o legal é poder ouvir cada um deles em ação e reconhecer logo de cara seus timbres e estilos característicos.

Após ouvir a faixa de abertura, a épica “God of the Sun”, você pode até se perguntar onde está o tal do hard rock. Mas você já encontrará elementos do dito-cujo em “Coming Home”, que recebeu um vídeo. Ou em “Signs of the Time”, que por mais que abra com um riff à la Sepultura e tenha uma passagem instrumental longa e bem fritada, abraça fortemente o rock clássico em seu refrão. E ainda na radiofônica (conforme os próprios membros admitem) “Alive”, na qual temos um riff que parece extraído de alguma banda de rock alternativo do início do século. E por fim, cito “Divine Addiction”, que escancara a influência que Derek sofre do saudoso Jon Lord. Ela é precedida pelo breve prelúdio “Figaro’s Whore”, um “momento Eruption” do tecladista.

Mas sim, é um álbum essencialmente progressivo. Além da abertura supracitada, também fazem questão de deixar isso bem claro a épica “Labyrinth”, na qual Derek finalmente amplia o leque de possibilidades que seu instrumento lhe proporciona, e “Lost in Oblivion”, em que Jeff parece estar numa outra dimensão com seu vocal hard rock colocado em cima de um instrumental prog bem fritado. Mas, ei, é disso que se trata o supergrupo, não é mesmo?

A faixa de encerramento, segunda mais longa e batizada com o pomposo título “Opus Maximus”, dá um descanso a Jeff e põe os quatro instrumentistas para trabalhar ininterruptamente por 10 minutos e 30 segundos. A despeito do nome que lhe foi dado, não supera as outras duas épicas, o que não a torna ruim de forma alguma – nada neste disco é ruim. Aliás, o que é aquela linha de baixo aos 4:40? Billy parece incorporar plenamente a alma de Geddy Lee, que nem morto está (graças a Dio).

Psychotic Symphony é aquilo que você espera dele: uma demonstração de potência por parte de seu estrondoso time que resultou em nove ótimas peças. Mas não há nada aqui que o torne um candidato a “disco da década” ou algo assim. Talvez num próximo lançamento, já com uma comunidade sólida de fãs e com uma química ainda melhor, o quinteto ouse mais e fuja dos clichês dos gêneros – aqueles que motivaram as críticas negativas.

Nota = 4/5. Por que dar nota alta a um trabalho que não é uma joia, um clássico instantâneo? Porque eu, pelo menos, não vi nenhum membro prometendo isto. Vi cinco “tiozões” do rock/metal aceitando o desafio de se juntarem numa empreitada que exigiu foco e dedicação e, por esse exato motivo, não é chamado de “projeto” por eles, já que o termo normalmente é usado para iniciativas paralelas a algo maior. Sons of Apollo foi criado com a promessa de ser uma banda de tempo integral e isso abre a possibilidade de álbuns melhores chegando antes do que esperamos.

Abaixo, o vídeo de “Lost in Oblivion”:

Resenha: The Knife – Goldfinger

Reprodução da capa do álbum (© Rise Records)

Após quase uma década, o quarteto californiano Goldfinger finalmente lançou seu aguardado sétimo álbum, que vinha sendo prometido há anos. E as novidades são proporcionais à demora. O vocalista, guitarrista e líder John Feldmann se separou do restante da banda, que consistia em membros bastante antigos. Para substitui-los, John não mirou baixo e acabou montando praticamente um supergrupo: Philip Sneed (Story of the Year) na outra guitarra, Mike Herrera (MxPx, Tumbledown) no baixo e Travis Barker (blink-182) na bateria.

O resultado, como não poderia deixar de ser, é um retorno fenomenal. É perfeitamente compreensível que fãs torçam o nariz para uma mudança tão grande num time que já vinha dando certo há décadas, mas não dá para não se empolgar com este simpático disco que recebeu o não tão simpático nome The Knife e no qual o cinquentão Feldmann esbanja uma notável jovialidade.

A abertura “A Million Miles” é uma afirmação. “Voltamos” – é o que ela parece nos dizer a despeito da letra autorreflexiva. A sequência “Get What I Need” traz algo que se repetirá algumas vezes no transcorrer das faixas: uma participação especial. No caso desta peça mais alegre, quem aparece é o guitarrista Nate Albert, ex-integrante dos Mighty Mighty Bosstones.

E assim o disco vai passeando entre as diversas facetas que o ska punk tem a oferecer. Quem gosta de manifestos adolescentes para cantar bem alto nos shows vai gostar de “Am I Deaf”, “Put the Knife Away” e “Say It Out Loud”. Já quem prefere aquela aura praieira do ska vai se apaixonar por “Tijuana Sunrise”, “Don’t Let me Go” (que tem a participação do japonês Takahiro Moriuchi, do ONE OK ROCK) e “Liftoff”, que também traz suas participações especiais: Nick Hexum (311) nos vocais e o surfista Makua Rothman no ukeke.

A declaração de amor “Milla”, “See You Around” (com Mark Hoppus do blink-182) e “Who’s Laughing Now” são outros destaques. E, ao final da audição, o fã constatará que não há nenhuma faixa descartável em The Knife. Aliás, não há nenhuma canção que provoque menos do que uma síndrome da perna inquieta.

Nota = 5/5. The Knife é uma lufada de energia para o ska punk e um retorno revigorante para esta banda quintessencial que marcou a infância de muita gente com a inclusão de seus sucessos em games diversos. Pode comprar sem medo.

Abaixo, o lyric video de “Put the Knife Away”: