Resenha: Father of All Motherfuckers – Green Day

Reprodução da capa do álbum (© Reprise)

Em 2014, Taylor Hawkins, baterista do então quinteto de rock alternativo Foo Fighters, usou em entrevista ao site The Music uma forma bastante peculiar e direta para se referir ao então novo álbum do U2, Songs of Innocence: “um peido” (tivemos opinião um pouco diferente e você pode conferi-la aqui).

O que todos esses artistas têm a ver com Father of All Motherfuckers, novo trabalho de estúdio do trio estadunidense de “punk” Green Day? Bem, sem receios de publicar o que pode ser uma das resenhas mais polêmicas da história do Sinfonia de Ideias, eu pego emprestada a terminologia de Taylor e atribuo-a à obra em questão.

A definição “peido” que eu uso aqui se deve primeiramente ao fato de ser um lançamento extremamente curto – um verdadeiro EP disfarçado. Posso mencionar dezenas de músicas de rock progressivo mais longas que essas dez faixas somadas.

Mas há mais semelhanças com a flatulência. Peidar é um ato divertidíssimo pra quem o comete. Mas pra quem está do lado, é desagradável. Você fica lá, rindo sozinho, e as pessoas em volta só têm olhares de julgamento e reprovação.

Foi mais ou menos a mesma cena quando eles foram lançando seus singles pouco a pouco e os fãs e a crítica apenas se entreolhavam, perguntando-se o que havia acontecido com os rapazes.

A direção musical vem ao encontro de uma das propostas do álbum, que é “o estilo de vida de cagar pra tudo”. Claramente, o trio cagou para crítica, fãs, sua própria história, enfim. Exemplo disso é o fato de terem reaproveitado parcialmente a capa do clássico American Idiot (2004). Chega a ser ofensivo…

Outro problema do disco é que quando uma banda como o Green Day – historicamente associada ao gênero punk, quer queira quer não – anuncia algo com um título tão “agressivo” como “Father of All Motherfuckers” (Pai de Todos os Filhos da Puta, em tradução livre), você espera no mínimo algo crítico, ácido, agressivo, enfim, com algum tipo de atitude.

Mas o que vemos é um mar de canções (ou não – já falei da extrema brevidade?) nas quais Billie Joe Armstrong tenta acenar para um público jovem – do alto dos seus nem um pouco aparentes quase 50 anos de idade. Há críticas de sobra nas letras, é verdade, mas todas ganham tom de caricatura ante a instrumentação “moderninha”.

No final das contas, só três momentos empolgam: o rock and roll cinquentista “Stab You in the Heart” e as relativamente densas e maduras “Meet You on the Roof” e “Junkies on a High”. O resto? Bem, como todo peido, dissipa-se e é esquecido. E é só isto que tenho a dizer sobre esta peça.

Nota = 2/5.

Abaixo, o clipe de “Father of All…”:

Resenha: Lado B – Malabaristas de Semáforo

Reprodução da capa do álbum (© Caravela)

Em 2018, cinco anos após ser fundado, o trio carioca Malabaristas de Semáforo revelou-se de vez para o mundo com seu disco de estreia, curiosamente batizado de Lado B.

Uma pena eu só ter encontrado tempo para lhe dar a devida atenção agora, mais de um ano depois. Pois ele teria facilmente constado na minha lista de melhores lançamentos daquele ano, provavelmente empatado com De Outro Lugar, do Joana Marte, como revelação nacional.

Os Malabaristas de Semáforo se promovem como mais um grupo de “rock sem firulas” (rótulo para o qual eu normalmente reviro os olhos), mas na verdade o som que eles fazem é de uma simplicidade altamente sofisticada. Isto mesmo que você leu. Eles nada mais fazem do que harmonizar habilmente toda a energia da voz e do baixo de Cleber ST, da guitarra de Pedro Grisolia e da bateria de Fabrício Cardozo.

Já é bom deixar claro que este álbum foi uma grande evolução com relação ao EP Malabas, de 2017. A diferença na qualidade do som em todos os aspectos possíveis (produção, mixagem, composições) é gritante (quase literalmente).

Mas afinal, o que torna Lado B tão bom com relação ao EP supracitado e o que torna o som da banda tão “simplesmente sofisticado”?

Vou tomar a primeira música (“Tédio”) como exemplo. Temos nela uma combinação de: letra simples e direta, mas muito bem escrita. Sem rimas óbvias e palavras previsíveis. Uma linha circular no baixo que pode ser facilmente ouvida de cabo a rabo, mostrando que o instrumento tem função real no som do trio. Uma guitarra que não apenas provê a base da faixa, mas também faz um bom contraponto ao baixo no melhor estilo Primus ou Red Hot Chili Peppers. E uma bateria firme e forte que sustenta com habilidade a música.

Esta fórmula será reproduzida no decorrer da obra, mas a palavra “fórmula” não é aplicada aqui com sentido pejorativo. Até porque, os cariocas sabem manipular seus poucos instrumentos para criar climas diversos: diálogos diretos com o punk oitentista em “Normose”; ritmos mais lentos e alternativos em “Mais” e “Pretérito Perfeito”; e evoluções progressivas em “Sua Sorte” e “O Que For”.

Quanto às letras, a maneira como elas abordam questões banais do cotidiano de maneira criativa e preenchem adequadamente o instrumental que as sustenta é análoga aos Titãs em sua formação clássica.

No material de divulgação de Lado B, o grupo o promove como “uma viagem de montanha russa – alternando momentos de tensão e adrenalina com momentos de calmaria e alívio”. E é exatamente isso o que ouvimos.

Nota = 5/5

Abaixo, o clipe de “Tédio”:

* A resenha foi escrita após sugestão da assessoria de imprensa da banda.

Resenha: Doze Flores Amarelas – Titãs

Capa do álbum Doze Flores Amarelas, dos Titãs

Reprodução da capa do álbum (© Universal Music Brasil)

Doze Flores Amarelas tinha tudo para ser um grande fracasso. Os Titãs, que começaram com nove integrantes, estão hoje reduzidos a três, com dois membros de apoio completando a formação. São um trio de cinquentões, beirando a terceira idade, e que sempre teve formações 100% masculinas. Para coroar, perderam em 2016 Paulo Miklos, vocalista, guitarrista, membro fundador e ainda por cima ator – sua vaga foi preenchida pelo guitarrista de apoio Beto Lee, filho da Rainha do Rock.

Os caras decidiram estrear sua nova fase com uma ópera rock (termo que sugere algo encorpado) sobre três jovens estupradas (protagonismo feminino) e temas juvenis (protagonismo… juvenil) que vem sendo apresentada ao vivo num espetáculo de teatro (um integrante com experiência em atuação teria sido uma carta na manga). Era praticamente como ter de passar um rolo compressor sobre mil ovos sem quebrar nenhum – e eles quase conseguiram.

Doze Flores Amarelas chegou em doses homeopáticas, com os três atos que compõem o disco sendo liberados com mais ou menos uma semana de diferença. E chegou já como um dos grandes lançamentos do rock nacional não só do ano, mas talvez da década, especialmente se levarmos em conta o conjunto da obra (espetáculo, argumento, etc.). Teve seus tropeços, mas eles não comprometem o resultado final.

Especialmente porque um deles ocorreu fora do âmbito estritamente musical: o trabalho vem sendo erroneamente divulgado como a primeira ópera rock de uma banda brasileira, mas nós sabemos que isso é balela. Bigorna, do Cartoon; e Cartélico Vol.1 – Fronteira, Trago & Querência (resenhada neste blog), do Cartel da Cevada, que o digam. Isso pra não entrar no mérito das metal operas.

Enfim, do ponto de vista instrumental, temos uma das atuações mais empolgantes da história dos Titãs. O álbum dá prosseguimento àquela crueza retomada em Nheengatu (resenhado neste blog) e a tempera com a densidade de projetos mais ambiciosos, como Volume Dois, resultando em quase 30 inéditas de alta qualidade.

O disco bebe principalmente do punk rock, abrindo espaço também para rockabilly (“O Facilitador”), baladinhas (“Nossa Bela Vida”), rock alternativo (“Mesmo Assim”), eletrônico (“Me Chamem de Veneno”) e sinfônico (“Pacto de Sangue”, “É Você” e “Sei Que Seremos”), entre outros.

O grupo só foge do rock na abertura e nos três interlúdios, que trazem a narração mais que especial de Rita Lee. São todas peças eruditas com toques de Villa-Lobos e Beethoven, exceto pelo “Interlúdio 1”, tocado só no órgão, um momento Terry Riley do vocalista, tecladista e baixista Sérgio Britto e a passagem que mais se aproxima do rock progressivo, que deu à luz algumas das óperas rock mais importantes, como Quadrophenia (The Who) e The Wall (Pink Floyd).

O que fica claro após algumas audições é que a chegada de Beto Lee fez um bem danado aos paulistas, que ganharam peso nas seis cordas e uma bem-vinda lufada de renovação na riffagem. Boa parte do sucesso do álbum passa pelas mãos dele, consagrando-o como um substituto mais do que acertado.

As letras conseguem ser diretas sem soarem bobas, retendo certa poesia. Pontos altos incluem “Fim de Festa”, que nos permite visualizar os estupradores cercando suas vítimas como presas; “Me Estuprem”, que, apesar da crítica que faço mais abaixo, é de uma franqueza perturbadora; a viagem filosófica que transforma um coveiro num jardineiro de mortos em “O Jardineiro”; e a despedida de vida “Réquiem”.

E, ainda bem, mulheres aparecem ocasionalmente para cantar, evitando assim o que teria sido um erro imperdoável da banda na era do empoderamento feminino e do lugar de fala. São elas: Corina Sabbas, Cyntia Mendes e Yás Werneck, cada uma dando voz a uma das três Marias que protagonizam a trama assinada por Hugo Possolo e Marcelo Rubens Paiva.

Mas isso não evitou que Doze Flores Amarelas cometesse uma falta grave. Alguns dos momentos-chave do enredo, como o estupro, são cantados por Sérgio Britto. Ora, se havia não uma, não duas, mas três mulheres disponíveis, por que não foram elas as escolhidas? Ficaram relegadas a meros vocais de apoio na faixa em questão (“Me Estuprem”). O erro se repete parcialmente em “Eu Sou Maria”, por exemplo.

Outra característica singular da ópera rock é que a média das músicas cantadas pelo baixista Branco Mello é notavelmente superior à média das cantadas por Sérgio. E isso nada tem a ver com composição, uma vez que Sérgio assina quase todas. Com tantos vocalistas a menos – já foram seis! -, o grupo fica cada vez mais sujeito a este tipo de comparação.

Não poderia deixar de mencionar ainda que a banda se arrisca em dois importantes ineditismos: um que deu errado e outro que deu certo. O primeiro é a faixa “Weird Sisters”, cantada totalmente em inglês – macarrônico, no caso de Sérgio. E não fica claro em momento algum por que ela foi a “chosen one”. No caso do acerto, falo da primeira música de estúdio com vocais do guitarrista Tony Bellotto: “Canção da Vingança”. Após a saída de Paulo, ele já vinha ganhando intimidade com o microfone ao vivo em “Pra Dizer Adeus”.

Doze Flores Amarelas mostra um Titãs mais vivo e antenado do que nunca, saindo de cabeça erguida da sexta prova do “um membro a menos”, embora Mario Fabre e Beto Lee estejam mais incorporados do que nunca. A formação enxuta está espremendo os músicos envolvidos e extraindo o melhor possível deles. O ambicioso projeto não causa o impacto de um Tommy da vida, mas se nem eles prometeram isso, quem sou eu para cobrar…

Nota= 4/5.

Abaixo, o lyric video de “Nada Nos Basta”: