Resenha: Auri – Auri

Reprodução da capa do álbum (© Nuclear Blast)

Enquanto o sexteto finlandês de metal sinfônico Nightwish lança sua compilação Decades e trabalha na subsequente turnê, o líder e tecladista da banda, Tuomas Holopainen, decidiu se aventurar com sua esposa, Johanna Kurkela, num projeto paralelo de folk acústico e levemente sinfônico.

E foi assim que Tuomas criou seu próprio Blackmore’s Night, chamado Auri, com a diferença que o grupo tem ainda um terceiro elemento – no caso, Troy Donockley, colega de Tuomas no Nightwish. É praticamente um spin-off da equipe envolvida na criação de Music Inspired By The Life and Times of Scrooge (resenhado neste blog), disco solo do tecladista.

E não chega a ser descabido comparar o Auri com o Blackmore’s Night. As diferenças mais marcantes residem no timbre de voz das vocalistas (com Candice Night apresentando um tom levemente mais grave), e no instrumental. Ritchie Blackmore, guitarrista, transforma o violão e outros instrumentos de cordas em protagonistas no som, enquanto que o trio verá o piano de Tuomas, o violoncelo de Johana e as flautas de Troy construindo a parte não-vocal do disco de estreia deles, autointitulado.

O álbum é um tanto contemplativo, no sentido de que o som muitas vezes se manifestará de forma a envolver-nos em uma atmosfera relaxante. Algumas mal possuem letras propriamente ditas, como “The Name of the Wind” e “Savant”.

Mas há espaço para trabalhos um pouco mais convencionais, como a abertura “The Space Between”, “Aphrodite Rising”, a rítmica “See” e o single “Night 13”, belamente interpretado por Nicholas Minns em vídeo que você pode conferir ao final da resenha.

Os belos vocais de Johanna ajudam a construir aquela atmosfera supracitada, ganhando corpo em “Desert Flower”, um dueto com Troy, que vem se mostrando uma interessante alternativa a Marco Hietala no Nightwish. Nas outras faixas, ele e Tuomas limitam-se, vez ou outra, a fazer um contraponto masculino à cantora.

Tuomas, que controla quase tudo em sua banda principal, será ouvido aqui muito mais como compositor do que como executante. Há vários momentos do álbum que remetem a seu disco solo e a músicas típicas do Nightwish, mas os pianos e teclados dele têm papel limitado se comparado às cordas, aos sopros e à voz de sua esposa. E ainda bem que foi assim: o som do Auri é exatamente o que deveria ser.

Talvez o fã sedento por guitarras sinta falta do fator metal, mas o trio nunca prometeu algo do gênero. E, nem por isso, o projeto perde valor – afinal, ainda está para nascer algo ruim que tenha passado pelas mãos de Tuomas.

Nota = 4/5.

Abaixo, o vídeo de “Night 13”:

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Resenha: Memórias do Fogo – El Efecto

Reprodução da capa do álbum (© Sagitta Records)

Desde 2012, quando o El Efecto lançou o ótimo Pedras e Sonhos, o Brasil vem passando por turbulências políticas e sociais como há muito não se via. Para uma das bandas mais politizadas do rock nacional recente (e uma banda que, diferente da grande maioria das outras desse tipo, não se furta a dar nome aos bois em suas críticas (vide “Cabrais”)), surpreende que Memórias do Fogo, lançado este mês e disponível para download no site do grupo, seja tão sóbrio e atemporal.

Em vez de músicas sobre o golpe de 2016, os protestos de 2013 ou o tenebroso cenário político que se desenha para outubro deste ano, temos faixas que poderiam ter sido escritas 10, 20 anos atrás. Temas como racismo, capitalismo e a ditadura militar preenchem do começo ao fim o disco que marca a estreia dos guitarristas e vocalistas Tomás Tróia e Cristine Ariel, sendo esta última a primeira integrante feminina do agora sexteto.

E por que um conjunto de apenas sete canções está sendo chamado de disco, e não de EP? Porque o El Efecto criou sete universos, cada qual bastante particular em si mesmo e dono de uma mensagem forte, tanto na letra quanto no instrumental. É uma mistura da criatividade do Pink Floyd com a variedade da música brasileira, como se isso fosse possível. As guitarras pesadas se alternam com batucadas sinistras de um jeito que levaria Caetano Veloso a ser linchado, e não apenas vaiado no TUCA em 1968. Podemos então dedicar um parágrafo a cada faixa.

A abertura “Café”, se é que podemos chamar de “abertura” um trabalho de mais de oito minutos, já é um bom exemplo do que falamos no parágrafo anterior, com suas mudanças abruptas de andamento, camadas de sopros e variações de intensidades, com destaque para os acordes de cavaquinho ao final, que parecem imitar o movimento de um cafeicultor peneirando grãos.

“O Drama da Humana Manada” mergulha mais fundo nessa mistura de sons, alternando riffagens heavy metal com passagens de samba e outros ritmos nacionais a ponto de deixar talvez até o Angra admirado. Ela faz uma (necessária) crítica à glorificação desenfreada do trabalho e à falácia do “quem luta, alcança”. Céus, eu poderia fazer um post inteiro só sobre isso.

“O Monge e o Executivo” é uma daquelas faixas épicas que o grupo carioca costuma fazer, desta vez narrando a jornada dum personagem não muito raro no folclore corporativo: o executivo “zen”, que busca a paz interior enquanto lucra com a exploração dos outros. Convenientemente, a banda opta aqui por um instrumental essencialmente sereno, com frases típicas orientais para ambientação, ao mesmo tempo em que recorre ao rap da convidada Helen Nzinga para tecer suas críticas sociais de forma mais direta.

“Trovoada” é, talvez, uma das mais marcantes do disco. Seguindo com a mistura de ritmos, revela-se uma das mais progressivas, com direito a andamentos intrincados e tudo. Na letra, temas como o racismo e a escravidão brotam nesse terreno musicalmente fértil.

Além dessas quatro “épicas”, temos três curtas: “Carlos e Tereza”, uma mistura de carimbó, samba e rock em homenagem aos irmãos Marighella, expoentes da luta contra a ditadura militar; “Chama Negra”, que destoa um tanto do resto do disco, por ser toda acústica e relativamente simples, embora tal fato possivelmente se explique na força de sua letra, expressa na penetrante voz da convidada Rachel Barros; e o enceramento “Incêndios”, que acelera as coisas com aromas de punk, rockabilly e, de novo, rock progressivo.

Não chega a ser uma novidade o El Efecto criar canções tão ricas em suas individualidades, mas Memórias do Fogo leva isso a um patamar novo. E isso se deve em grande parte ao sem-número de músicos de apoio que ajudaram a engrandecer a densidade musical do disco.

Temos aqui, senhoras e senhores, um forte candidato a constar nas listas de melhores do ano, embora 2018 talvez não chegue a terminar, como diria Zuenir Ventura a respeito de 1968.

Nota = 5/5

Abaixo, o vídeo de “O Drama da Humana Manada”:

Resenha: Ømni – Angra

Reprodução da capa do álbum (© earMUSIC)

Depois de duas trocas de vocalistas, chegou a hora do Angra encarar um novo tipo de mudança: substituição nas seis cordas. Kiko Loureiro saiu para integrar o Megadeth e, em seu lugar, entrou Marcelo Barbosa, sujeito bastante cultuado por aqui após passagens pelo Khallice e pelo Almah, do ex-vocalista Edu Falaschi.

E sua trajetória no quinteto paulista começa num projeto ambicioso: Ømni, cujo conceito liga os discos anteriores da banda. Uma tarefa complexa, considerando que cada um deles, por si só, já costumava trazer uma ideia sofisticada.

Boa parte do álbum é feito do mais puro power metal: “Light of Transcendence”, “Travelers of Time”, “Insania”, “War Horns”, “Magic Mirror”- não por um acaso, são algumas das melhores. Dobradinhas empolgantes nas guitarras, solos fritados, riffs agressivos… o que mais você precisa? “War Horns” poderia receber o injusto rótulo de “aquela faixa com um solo do Kiko”, mas ela é possivelmente, e simplesmente, uma das melhores do disco. Ømni traz um “fator uau” equiparável ao do Temple of Shadows, de 2004.

As demais faixas merecem comentários à parte. “Black Widow’s Web”, por exemplo, só não funciona na mente de quem não aprecia o estilo ou é limitado demais para “aceitar” que uma cantora como Sandy colabore com o Angra – ainda que Alissa White-Gluz, do Arch Enemy, dê sua contribuição também, como que para lembrar a todos que isto não é nada além de mais uma peça de metal.

É uma história que se repete de tempos em tempos: “Carolina IV”, “Unholy Wars” e “Late Redemption” causaram semelhante rebuliço quando foram lançadas. O próprio Kiko fez um interessante comentário a respeito da questão.

Enquanto vocalista, Rafael Bittencourt começa a bater suas asinhas com mais liberdade aqui. Em “Travelers of Time”, “Caveman”, “Magic Mirror” e “Ømni – Silence Inside”, ele oferece um agradável contraste para a voz de Fabio. Já em “The Bottom of My Soul”, na qual atua sozinho, não obtém semelhante sucesso. É um trabalho interessante, com um instrumental lento e marcado por fraseados orientais, mas que destoa bastante do resto do disco, comprometendo sua coesão.

“Caveman”, como o nome sugere, é tribal, com elementos brasileiros e um pouco de português nas letras, que fazem alusão à Alegoria da Caverna de Platão. Taí uma outra vantagem de se ter Rafael como segundo vocalista: garantia de uma pronúncia adequada do nosso idioma.

Encerrando o álbum, “Ømni – Silence Inside”, um power prog elaborado, e “Ømni – Infinite Nothing”, que retoma e condensa as frases principais de cada faixa do disco em uma curta peça orquestral, na melhor escola “Gate XIII” ou mesmo “Imaginaerum”, do Nightwish.

Os (poucos) pontos baixos de Ømni são “Insania”, um trabalho mais comercial que surpreendentemente – e felizmente – não foi o escolhido para ganhar um vídeo; e “Always More” – em que pese trazer uma mensagem bonitinha, destoa quase tanto quanto “The Bottom of My Soul”, mesmo para uma baladinha.

O álbum é fenomenal no sentido de que é uma obra de power metal de altíssima qualidade, incorpora elementos eruditos e brasileiros naquela dosagem costumaz deles, tranquiliza os fãs quanto às credenciais de Marcelo e reafirma a capacidade criativa de Rafael, mesmo num time já desfalcado de grandes compositores como Kiko e Andre Matos.

Alguns continuarão dizendo que o Angra perdeu sua essência. Não, não, ela nunca foi perdida, apenas alterada. Pudera, somente um membro restou da formação original. Aliás, uma banda que apresenta uma proposta musical tão requintada dificilmente conseguiria se prender a alguma fórmula.

Como eu não resenhei Secret Garden – que é ótimo, mas ainda inferior a Ømni – aproveito para dizer que a entrada de Fabio Lione no grupo foi benéfica para ambos, mas se colocarmos numa balança, o ganho do italiano é bem maior. Se por um lado ele não é o vocalista perfeito para o Angra, ele ganhou no grupo brasileiro um espaço para desenlatar sua voz e mostrar que ele pode bem mais do que aqueles vocais enjoados do Rhapsody of Fire.

Nota = 5/5

Abaixo, o vídeo de “War Horns”: